Ordinary Guy - Ashamed
In parallel to the articles about other well-known music bands, I have been composing a solo EP which you can listen to here. I find it interesting to deconstruct it in the same way as the rest of the remakes to dive into the composition and production techniques that I have used, the color of the chords, and the structure.
You will surely find that many of the production resources explained in the previous articles have been a source of inspiration for these songs, since they are bands that I usually listen and end up merging with my style.
In this article I am going to analyze the first song of the EP. The song was born from the progression of chromatic chords in the verse, with a special effort to achieve a melodic and aggressive bass line in the line of Thundercat, supported by an incessant drum beat like Yves Tumor, and a chorus that unfolds a synth instrumentation with references to Blood Orange or Hiatus Kaiyote.
You can see the performance of this song below:
The structure of the song is as follows:
MUSIC THEORY
First of all I would like to do a brief music theory analysis about the chords and structure of the song. This song could be divided into two parts with a different sound: first the verses and pre-chorus, and secondly the choruses.
In the verses the chords follow a form of composition called "pantonal" or by patterns. Composing by patterns consists of maintaining the same interval between the bass notes (in this case 6ªM-2ªm-6ªM) and playing chords that are not tonally related to each other.
As can be seen, the 4 chords have the same construction (minor with ninth “m9”) so they lack a tonal relationship to each other, and follow the interval pattern described above.
After a few verse sections, pre-chorus parts appear from time to time. You could say that it is like a kind of exit tail of each verse, which either links to the next verse or makes a special exit to the chorus by adding the A7 chord (#9,b13) right at the end. These pre-choruses are a succession of major and minor chords anchored on the same note, which gives a feeling of retention and expectation. This succession of majors and minors can be called "parallels". In the case of the last pre-chorus that gives way to the chorus, there is also a last extra chord A7 (#9,b13), which acts as a deceptive dominant; a dominant that does not resolve by ascending fourth (it does not resolve with the classic V-I) and therefore is said that it “disappoints":
Analyzing the chorus, we find that it becomes a functional part with chords in tonal relationship with each other (VI - VIm - IV - II - V), and would be on the scale of C Maj. The most characteristic of this part is the game of the first chord Amaj7 followed by Am9, which does not become a modal exchange because there is no way whose IV degree is a maj7, but it can be analyzed as parallel chords again. This resource of starting with a major chord followed by a minor chord gives a very characteristic color, a technique that you can also find in many songs, such as the chorus of “Show Me How” by Men I Trust, which I have also analyzed here.
SYNTHS
The synthesizers used have a lot of presence in this song, being the main harmonic base, and melodic in some parts, like the instrumental after the first chorus.
In the verse I have used 5 synthesizers playing the same chords. This technique is often called synth layering and makes them complement each other creating a more solid and enveloping sound base.
These 5 layers are made up of 3 layers of the u-he Diva synthesizer, each one adjusted differently. way, a layer of DX7, and a layer of Arturia's Stage-73 with Rhodes sound. The song begins with 3 of these 5 layers, and the other two are added when the voice enters to achieve greater density.
Below you can listen to each layer separately, and then the 5 layers in unison to see how they complement each other:
Synth 1
Synth 2
Synth 3
Synth 4
Synth 5
All previous Synths
In the verse, there is a barely audible detail of Arturia's CZ that appears in the chorus parts "i feel ashamed".
CZ Synth detail
The chorus unfolds a Blood Orange-inspired pad that wraps everything around, with the following setup, listen to it below.
Chorus CZ PAD
A succession of notes is added later with two layers of DX7; an almost toy electric piano sound, with a lot of percussive touch. They have the same configuration, but one of the two layers is transposed an octave higher.
DX7 Synth
Finally, on the instrumental after the first chorus there is a melodic keyboard solo with two layers of Arturia's CZ inspired by Hiatus Kaiyote and those arcade-sounding synths. One of the layers acts as a bass-synth main body and another layer is higher pitched with some delay for presence. Listen to both sounds below.
Solo Synth
BASS
Bass is one of the fundamental parts of this song. Being a very melodic bass in the verses, I wanted to achieve a sound that would stand out above the mix as well as blend in with the kick. The effects chain that I have used to mix is made up of Waves' CLA compressor, passed through the Guitar Rig 5 with a basic bass amplification setup, by the Waves SSLChannel to define it, the classic Waves RBass to give it sub- bass-boosting harmonics, the TabFilter Pro-MB multiband compressor to control the low frequency bands, and a final EQ for shaping.
Listen to the solo bass until the first chorus below.
Bass sound
GUITAR
The guitars do not carry much weight in this song, appearing only in the second half of the verses with a funky strum and a filtered high-end sound. I have used the Guitar Rig 5 to amplify the guitar and for that filtered sound I have used the Goodhertz Lohi with the following parameters. Hear it below.
Guitar sound
DRUMS
To speed up the creative process, on many occasions I use drum loops from different sound banks, something quite common in R&B groups, as is the case with this song from The Internet that I analyzed on this website, among many others. You can listen to the drums loop used here.
Drums loop
To get the best result, I have tried to isolate the drums and snares to mix them separately. I've also added extra chorus cymbal hits to give this part more air and stereo. Listen to the cymbals below separately and in conjunction with the entire kit.
Cymbals
If you are interested in any of the sound banks that I usually use for these beats, feel free to subscribe on my Patreon page and contact me to download them!
VOCALS
The voice in this song is made up of two tracks of main vocals in the verses, which increase to 4 tracks in the chorus to give more density to the voice.
The effect chain I have used is the same for all tracks, except for some final EQ setting to differentiate some voices. The effects that I have used are the Autotune Pro 8 by Antares with a slight adjustment without losing the natural character of the voice, the Virtual Mix Rack where a microphone emulation, an EQ and a compressor, the TabFilter Pro-DS to correct the pronunciation of some "s", and the TabFilter Pro-Q 3 to give a final EQ to each voice.
Vocals verse
I also usually record quite a few tracks at once for a larger soul-style choir effect. For example, in the pre-chorus where the choruses that repeat “i feel ashamed” appear, there are 5 tracks playing at the same time.
Vocals pre-chorus
In the chorus section, the voice is wide, where the main voice rests on a base of choirs that hold some notes, and where other choirs repeat a phrase. Listen to it below.
Vocals chorus
Finally, I send all these voices to various return channels, where there are mainly short and long reverbs with the VerbSuite, short and long delays with the Waves H-Delay, and another channel with Behringher's Dim D64 to give stereo-width to the voice.
Finding a good sound for your voice is perhaps one of the trickiest things, since you will first have to find where you feel most comfortable singing over time, and then give it a further spark of personality by exploring mixing and production techniques of the voice that best suits the style of music you want to make.
That's all for now! I hope you enjoyed this review and this song. Do not forget to give a listen to this first EP that I have composed and that you have available on Spotify!
Remember that you can support this project on my Patreon page, where you can also download additional exclusive content and songs in digital format with some surprises, apart from being able to contact me directly for any feedback!
Thank for your time, see you in the next article!
En paralelo a los artículos sobre otros grupos de música conocidos, he estado componiendo un EP en solitario que puedes escuchar aquí, y me parece interesante deconstruirlo de igual manera que el resto de remakes para destripar cada una de las técnicas de composición y producción que he utilizado, el color de los acordes y la estructura.
Seguramente encontraréis que bastantes de los recursos de producción explicados en los anteriores artículos han sido una fuente de inspiración para estas canciones, ya que son grupos de música que no paro de escuchar y terminan fundiéndose con mi estilo.
En este artículo voy a analizar la primera canción del EP. La canción nació de la progresión de acordes cromáticos en el verso, con un especial empeño en conseguir una línea de bajo melódica y agresiva al estilo de Thundercat, apoyado en un incesante beat de batería al estilo de Yves Tumor, y un estribillo que despliega una instrumentación de sintetizadores con referencias a Blood Orange o Hiatus Kaiyote.
Puedes ver la performance de esta canción a continuación:
La estructura de la canción es la siguiente:
MUSIC THEORY
En primer lugar me gustaría hacer un breve análisis de teoría musical sobre los acordes y estructura de la canción.
Esta canción se podría dividir en dos partes con una sonoridad diferente: en primer lugar los versos y pre-chorus, y en segundo lugar los estribillos.
En los versos los acordes siguen una forma de composición denominada “pantonal” o por patrones. Componer por patrones consiste en mantener una misma interválica entre las notas del bajo (en este caso 6ªM-2ªm-6ªM) y tocar acordes no relacionados tonalmente entre sí.
Como se puede observar, los 4 acordes tienen la misma construcción (menor con novena “m9”) por lo que carecen de una relación tonal entre sí, y siguen el patrón interválico descrito anteriormente.
Después de algunas secciones de verso, aparecen de vez en cuando partes de pre-chorus. Se podría decir que es como una especie de cola de salida de cada verso, que bien enlaza con el siguiente verso o bien hace una salida especial al estribillo añadiendo el acorde A7(#9,b13) justo al final. Estos pre-chorus son una sucesión de acordes mayores y menores anclados en la misma nota, lo que da una sensación de retención y expectación. Esta sucesión de mayores y menores se puede denominar como “paralelos”. En el caso del último pre-chorus que da paso al estribillo, también aparece un último acorde extra A7(#9,b13), que actúa como dominante deceptiva; una dominante que no resuelve por cuarta ascendente (no resuelve con el clásico V-I) y por ello se dice que “decepciona”.
Analizando el estribillo, encontramos que se convierte en una parte funcional con acordes con relación tonal entre sí (VI - VIm - IV - II - V), y estaría en la escala de C Maj. Lo más característico de esta parte es el juego del primer acorde Amaj7 seguido de Am9, que no llega a ser un intercambio modal porque no hay modo alguno cuyo IV grado sea un maj7, pero se puede analizar como acordes paralelos de nuevo. Este recurso de comenzar con un acorde mayor seguido de uno menor da un color muy característico, una técnica que también puedes encontrar en muchas canciones, como por ejemplo el estribillo de “Show Me How” de Men I Trust, que también he analizado y cuyo artículo puedes leer aquí.
SYNTHS
Los sintetizadores utilizados tienen mucho peso en esta canción, siendo la principal base armónica, y melódica en algunas partes como el instrumental después del primer estribillo.
En el verso he utilizado 5 sintetizadores tocando los mismos acordes. A esta técnica se le suele llamar synth layering y hace que se complementen entre sí creando una base de sonido más sólida y envolvente.
Estas 5 capas se componen por un lado de 3 capas del sintetizador Diva de u-he, cada uno ajustado de diferente manera, una capa de DX7, y una capa del Stage-73 de Arturia con sonido de Rhodes. La canción comienza con 3 de estas 5 capas, y se añaden las otras dos cuando entra la voz para conseguir mayor densidad.
A continuación puedes escuchar cada capa por separado, y después las 5 capas al unísono para apreciar cómo se complementan entre sí:
Synth 1
Synth 2
Synth 3
Synth 4
Synth 5
All previous Synths
En el verso apenas audible aparece un detalle del CZ de Arturia en las partes de los coros “i feel ashamed”.
CZ Synth detail
En el estribillo se despliega un pad con inspiración en Blood Orange que lo envuelve todo, con la siguiente configuración, escúchalo a continuación.
Chorus CZ PAD
A este sinte se le añade un compás más tarde una sucesión de notas con dos capas de DX7, con sonido de piano eléctrico casi de juguete, con bastante toque percusivo. Tienen la misma configuración, pero una de las dos capas está traspuesta una octava más arriba.
DX7 Synth
Finalmente, en el instrumental después del primer estribillo hay un solo melódico de teclado con dos capas del CZ de Arturia con inspiración en Hiatus Kaiyote y esos sintetizadores con sonido arcade. Una de las capas actúa como bass-synth para dar cuerpo y otra capa es más aguda con algo de delay para dar presencia. Escucha ambos sonidos a continuación.
Solo Synth
BASS
El bajo es una de las partes fundamentales de esta canción. Al ser un bajo muy melódico en los versos, quería conseguir un sonido con que sobresaliera por encima de la mezcla a la par que se fundiera con el kick. La cadena de efectos que he usado para mezclarlo es se compone del compresor CLA de Waves, pasado por el Guitar Rig 5 con un setup de amplificación de bajo básica, por el SSLChannel de Waves para definirlo, el clásico RBass de Waves para darle sub-harmónicos que refuercen los graves, el compresor multibanda TabFilter Pro-MB para controlar las franjas de frecuencias graves, y una EQ final para perfilar.
Escucha el bajo en solitario hasta el primer estribillo a continuación.
Bass sound
GUITAR
Las guitarras no tienen mucho peso en esta canción, apareciendo solamente en la segunda mitad de los versos con un rasgueo funky y un sonido filtrado en agudos. He utilizado el Guitar Rig 5 para amplificar la guitarra y para ese sonido filtrado he utilizado el Lohi de Goodhertz con los siguientes parámetros. Escucha a continuación la diferencia de la guitarra sin filtrar y filtrada, y como se vuelve más afilada para sobresalir en la mezcla.
Guitar sound
DRUMS
Para agilizar el proceso creativo, en muchas ocasiones utilizo loops de batería de diferentes bancos de sonidos, algo bastante común en grupos de R&B, como es el caso de esta canción de The Internet que analicé en esta web, entre muchas otras.
El loop de esta canción es el siguiente.
Drums loop
Para conseguir un mejor resultado, he intentado aislar los bombos y cajas para mezclarlos por separado. También he añadido golpes extra de platos en los estribillos para darle más aire y estéreo a esta parte. Escucha a continuación los platos por separado y en conjunto con todo el kit.
Cymbals
Si estás interesado en alguno de los bancos de sonidos que suelo utilizar para estos beats, no dudes en suscribirte en mi página de Patreon y contactarme para descargártelos!
VOCALS
La voz en este tema se compone de dos pistas de main vocals en los versos, que aumentan a 4 pistas en los estribillos para dar más densidad a la voz.
La cadena de efectos que he utilizado es la misma para todas las pistas, a excepción de algún ajuste final de EQ para diferenciar algunas voces. Los efectos que he utilizado son el Autotune Pro 8 de Antares con un ajuste leve sin perder el carácter natural de la voz, el Virtual Mix Rack donde se agrupa una emulación de micrófono, una EQ y un compresor, el TabFilter Pro-DS para corregir la pronunciación de algunas “s”, y el TabFilter Pro-Q 3 para darle una EQ final a cada voz.
Vocals verse
En cuanto a las pistas de coros, también suelo grabar bastantes pistas a la vez para conseguir un efecto de coro más grande al estilo del soul. Por ejemplo, en los pre-chorus donde aparecen los coros que repiten “i feel ashamed” hay 5 pistas sonando a la vez.
Vocals pre-chorus
En los estribillos la voz se abre, donde la main vocal se apoya sobre una base de coros que sostienen algunas notas, y donde otros coros repiten alguna frase. Escuchalo a continuación.
Vocals chorus
Finalmente, mando todas estas voces a varios canales de retorno, donde principalmente hay reverbs cortas y largas con el VerbSuite, delays cortos y largos con el H-Delay de Waves, y otro canal con el Dim D64 de Behringher para darle espacio a la voz.
Encontrarle un buen sonido a la voz es quizás una de las cosas más complicadas, ya que primero tendrás que encontrar el registro donde te sientes más cómodo cantando con el tiempo, y después darle una chispa más de personalidad explorando técnicas de mezcla y producción de la voz que se adecuen más al estilo de música que quieres hacer.
Esto ha sido todo! Espero que hayas disfrutado de este análisis y de esta canción. No olvides darle una escucha a todo este primer EP que he compuesto y que tienes disponible en Spotify!
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